arte

  • Luis Ricaurte y su patología por tirar la piedra y esconder la mano

    Luis Ricaurte, reconocido artista visual mostrará un viaje a conciencia el próximo marzo de 2017 en el museo de la Ciudad de Buenos Aires en Argentina, con su exposición Burundanga.

    “Estas plantas alucinógenas (Burundanga) que vienen de nuestros ancestros, las utilizamos para deleitarnos de otras conciencias”

    En entrevista con el aclamado artista, nos contó cuales son sus planes a futuro, además de hablarnos sobre algunas de sus patologías más arraigadas, sus nuevas técnicas y por supuesto de sus últimos trabajos .

    “Pilambe, fue mi última exposición viene muy acordé con lo que pasó en la elección de Trump, donde ganó el racismo, la violencia, el discurso de separación que alienta a la diferencia. Pilambe quiere decir en lengua Yurua -Tirar la piedra y esconder la mano- hablaba sobre el ejercicio del racismo pero con una mirada de mojigata, ya que los otros contextos raciales nos parecen exóticos, nos alientan son eróticos son sensuales pero no los podemos hablar abiertamente por que es malo o perverso”

    Justo a eso iba Luis, ¿por qué plasmar en tus obras a mujeres afrodescendientes?

    Desafortunadamente no tengo ese color de piel obscura, fui criado en un ambiente donde culturalmente la fusión con lo afro era necesario en el sentido de que para poderse deleitar de la gastronomía, del baile, de todo ese carácter sexual de mi sociedad habíamos adoptado las costumbres afro, adaptadas con el mestizaje; entonces esto es un homenaje a mis raíces, lo traigo arraigado y cuando vengo a México me doy cuenta de esto, sin duda, es un homenaje a mis patologías.

    ¿Qué te llevó a implementar el uso del as nuevas tecnologías en tu técnica?

    Es una curiosidad nata del hombre, lo que nos hace no tomar en cuenta las nuevas tecnologías es una cuestión de tercermundismo o simplemente que las élites nos dicen que las nuevas tecnologías son incansables para nosotros, sin embargo es cuestión de quererlo hacer. El uso de ésta es una herramienta nueva, así como se busca un pincel nuevo.

    ¿Qué es la lasergrafía?

    La aplicación de la luz focalizada sobre una superficie, para hacer talla en las maderas, acrílicos, en muchos materiales, como lo dicen los pensadores mi forma de hacerlo es para hacer sellos matrices para la grafica

    ¿Por qué Luis Ricaurte rompe con lo tradicional de la gráfica?

    Es una cuestión artística, cuando tomé la decisión de ser artista fue duro ya que al artista se le tacha de borracho, pobre o drogadicto, sin embargo dentro del mismo arte la función del artista es ser iconoclasta, romper con los cánones y crear nuevos.

    ¿Cómo ha reaccionado tu público a tu técnica?

    En el ambiente técnico lo veo como un Boom, de la visión que quiero que tengan de las piezas en su contexto sobre lo que trato de decir, no es el fin la técnica, es lo quiero plasmar.

    ¿Consideras que tu obra plasma el contexto actual del mundo?

    No creo que lo hago, sé que la violencia existe, hemos sido malos por naturaleza, pero creo y estoy convencido es que me gusta llevar estos temas a otro nivel, por ejemplo el erotismo que es un tema que ocultamos, que vuelvan a renacer como algo bello, de lo onírico de lo sexual, no volver a victimizar a un ser por ser negro, al contrario mostrarlo porque son bellos, sensuales, pero la cultura hace que haya un rechazo hacia ello.

    ¿Qué te inspira?

    Mi verdadera inspiración es haber entendido que mi enfermedad es lo que hace que genere mi obra, ya en un discurso más filosófico, cuando hablaba de patología es que el discurso patológico como tal era el patos, explicar algo que te gustaba mucho pero que no sabías porqué te gustaba tanto, entonces había que racionalizar eso mismo, y eso lo hacían desde la Grecia antigua, la sociedad contemporánea lo vuelve enfermizo.

    Finalmente, cuestionando cuál es su propio concepto de arte, respondió que es un alimento del intelecto y del alma, pero creo que durante los siglos ha cambiado su definición desde valores utilitarios, manipulaciones políticas y religiosas, entonces el arte siempre ha estado inmerso en cierto discurso social.

     

     

     

    Redacción Omar Figueroa

  • Un total de 32 colombianos exponen en la capital mexicana

    Luis Galindo. Notimex.

    Un total de 30 obras gráficas, una video instalación y un performance de 32 artistas colombianos, conforman la exposición colectiva “Nacionalidad restringida”, que se inauguró hoy en el Taller de Experimentación Gráfica.
    La muestra, que permanecerá en ese taller hasta el 11 de septiembre próximo, reúne trabajos de artistas que están incursionando en la gráfica contemporánea, así como de renombre internacional, entre los que destaca Santiago Rebolledo. También figuran Luis Ricaurte, Luis Caballero, Ana Mercedes Hoyos, Alejandro Obregón, Edgar Negret. Antonio Roda, Tatiana Montoya, Pedro Alcántara, Santiago Cárdenas, David Manzur y Antonio Caro. En esta muestra se pueden encontrar técnicas interesantes, que van desde el tradicional grabado, fotovidrio grabado, fotografía bordada, stencil y hasta la innovadora técnica Lasergrafía, de Luis Ricaurte, quien es el fundador y director del Taller de Experimentación Gráfica.

    En entrevista con Notimex, el artista plástico colombiano Fernando Machado dijo que participa en esta exposición con una obra de imágenes digitales, una especie de figuras móviles, que están en un espacio en blanco. “Aquí más que una obra personal, es una exposición colectiva de artistas colombianos que nos une, donde el maestro Luis Ricaurte, nos invitó a participar y mostrar nuestras manifestaciones artísticas de algunos que estamos incursionando en este arte”, comentó Machado. Mencionó que su obra expuesta en esta muestra la realizó hace cuatro años, pero la ha ido perfeccionando y modificando a través de este tiempo. “Son imágenes ambiguas en su contorno, que expresa o manifiesta una figura en su interior como siluetas de conejos y en su interior imágenes masculinas y femeninas de sensualidad”, señaló el artista. Apuntó que esta exposición es una oportunidad que les brindó el maestro Ricaurte, para exhibir sus obras en el Taller de Experimentación Gráfica. “Esto ha sido un encuentro de artistas colombianos, que nos estamos conociendo y nos da la oportunidad de intercambiar ideas, así como de tener las puertas abiertas en este espacio, para los que estamos incursionando en este arte”, concluyó el artista plástico.

    También esa exposición cuenta con una video instalación que se titula “Soy colombiano”, del artista visual Carlos Smith, realizador de animación e investigador radicado en España, en donde es coordinador académico de la Universitat Pompeu Fabra, de Barcelona. En su video aborda la sensación de exilio que se experimenta viviendo en Colombia, y es una declaración a distancia, en tanto que el material se realizó en España, lugar donde reside. Respecto al performance “Burocracia de la Arepa”, de Viviana Díaz y Margarita Posada, parten del concepto de que la comida es uno de los símbolos que más define al migrante y ofrece la posibilidad de un intercambio cultural. En el caso de Colombia, la Arepa es un alimento típico, equivalente a la tortilla en México.

    El taller es un lugar de experimentación para el maestro Ricaurte, quien en su búsqueda creativa ha producido obras elaboradas con tecnología de punta, misma que es utilizada para el diseño publicitario en grandes formatos. Ricaurte, a través de su taller, comparte con artistas mexicanos y de otros países su técnica, ya que ésta ha sido reconocida por los círculos intelectuales como laser grafía, para la que ocupa soportes, como el vinyl, lámina galvanizada, madera y telas, entre otros.

  • La Creatividad un Aliciente para Vivir y Ser Feliz

    Ricaurte inventa la lasergrafía y aporta la laserxilografía para integrar la fotografía a las artes tradicionales del grabado, que se vinculan a los procesos de vanguardia del arte contemporáneo.

    Para la edición de octubre la revista Granito de Arena realizó una entrevista con el artista Luis Ricaurte, capturando una semblanza del artista y una mirada a su pasado y sus logros dentro del campo artístico. “Juego a ser artista y no hay nada que tenga más reglas que el juego” añadió. Ricaurte nos recuerda que es el artista el que a través de sus sentidos logra  comunicarnos su visión del mundo. La nota completa aquí: http://issuu.com/gdeasomosmexico/docs/edicion_11_gdea_digital_int

  • Lugar Común

    Máximo Jacoby

    Existen en todas la áreas de la vida. Son inevitables. Están grabados en nuestro ADN social, ese disco duro infinito imposible de penetrar. Los lugares comunes, a veces clichés, son el terror de los intelectuales, los evitamos todo el tiempo. Son nuestro parámetro del no hacer, el miedo a repetirse o la falta de creatividad. Caer en ellos puede convertirse en nuestra última condena.

    Esta exégesis de lo nuevo como único camino posible para el arte, es una fractura que aún no se ha podido reparar. Pero el lugar común, tan denostado, es también una estructura social sólida fundada en la constante reafirmación práctica y cotidiana. Es la mínima expresión de situaciones compartidas por todos. Puntos de identificación, que superan barreras políticas, culturales, económicas, de género, temporales, etc. Por esto se convierte en un Lugar Común.

    Conocí a Luis Ricaurte en el año 2006, cuando realizaba una exhibición en Buenos Aires, en el Cruce de la Artes, un Espacio de arte contemporáneo dentro de un túnel peatonal, literalmente un espacio público, la calle. En esa oportunidad instaló extensas telas junto a proyecciones por todo el túnel, obligando a los espectadores-transeúntes a pisar y atravesar por la obra en un complejo sistema que convirtió al conjunto en un proyecto procesual, en un presente continuo y activo. En un mismo Espacio-Lugar, espectadores de arte junto a los vecinos del barrio, compartían una experiencia.

    Luego me encontré con él para su intervención en el Centro Cultural Recoleta, nuevamente intervino un extraño espacio, la escalera que conecta las salas de la planta baja con la primera planta del edificio, con imágenes recubriendo el piso y escalones.

    En el 2008, finalmente concretamos nuestro maridaje artista-curador, con su individual Profilaxis, dentro del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires con la participación del curador Jaime Tamayo.

    Al terminar Profilaxis, comprendí ciertas variables del trabajo de Ricaurte con relación a sus anteriores experiencias en Argentina y su propia especificidad humana e intelectual. Es imposible pensar el trabajo de Ricaurte como un corpus de obras gráficas, videos o instalaciones sueltas; dividir su faceta científica, investigativa sobre la aplicación de tecnologías a la práctica artística, como su Lasergrafía o pensar su figura como gestor cultural y docente individualmente. Luis Ricaurte es todo ello, todo el tiempo. Un artista sin profilaxis interna.

    Profilaxis es una serie de trabajos, un concepto que organizó el guión de la muestra, la más visitada del año dentro “del Rojas”. Es una reflexión sobre cuestiones locales relativas a latinoamérica, a las distancias corporales, sociales, sexuales, etc. Es una sensible e inteligente crítica, que pone en jaque los ¿sólidos? preceptos capitalistas, culpables de la polarización social más preocupante y creciente en los últimos años.

    Pero también forma parte de una constante en el trabajo general del artista. La ruptura de la propia profilaxis del medio artístico. La profilaxis se materializa en endogamia, relaciones cerradas relegan el arte a instancias exclusivamente privadas. Ricaurte emprende una cruzada contra la impermeabilidad estética. El mayor peligro que dispara la reflexión de su obra, es la naturalización de la profilaxis y su rigidez. La imposibilidad de revisitar la realidad, las relaciones personales a partir de poéticas diferentes y entablar conversaciones heterogéneas: lingüísticas, visuales, corporales, etc.

    Creemos sentirnos seguros y protegidos al estar recubiertos por esas finas y delgadas capas de profilaxis que nos organiza. Pero por detrás de esta instancia resultamos solos: con nuestros problemas, sentimientos, sensaciones, miedos.

    Esta constante en su ética, explica su trabajo, la elección de técnica sencilla de producción, reproducción y lectura.

  • Luis Ricaurte: Un Artista Lasergráfico

    Abraham Flores. MILENIO

    Presenta la exposición Abrasiones, la cual ofrece un recorrido por su obra y por la innovadora técnica de lasergrafía.

    Una propuesta innovadora, irreverente y que invita a explorar las posibilidades de la tecnología de punta aplicada a la creación artística se presenta en Abrasiones, exposición que revisa la obra gráfica del artista colombiano Luis Ricaurte y que se presenta en la Galería Axis Mundi, en la Ciudad de México.

    La muestra, conformada por 5o piezas en su mayoría de las series LookUmi, Profil-Axís, A mis espal­das, Kal-Ku-Lo por no grafiary A ras de piso, habla y refuerza el uso de la lasergrafía, técnica utilizada por Ricaurte que redimensiona la elaboración de piezas de arte.

    En entrevista con MILENIO, el artista plástico comentó que la la­sergrafía es resultado de cinco años de investigación en la Universidad de Chicago. En la exposición se ob­serva la aplicación del láser sobre materiales como madera, acrílico, aluminio, papel, cartón y laminas de zinc; “vamos a ver desde cómo convertir un pedazo de madera en una placa fotográfica hasta cómo generar matrices a partir de la fotografía y el dibujo digital”.

    La técnica consiste, explicó, en la descomposición de la luz que se aplica para hacer ciertas incisiones. “Hacer un hueco a través de un rayo de calor controlado a partir de una metodología de trabajo y de investigación”.

    La tecnología es el elemento protagónico en Abrasiones, utilizada para realizar y descomponer imágenes con intenciones artísticas. “El resultado es un híbrido entre xilografía tradicional, foto y una tecnología reciente.

    “El láser generalas posibilidades de un nuevo lenguaje, con una sintaxis completamente contemporánea y al mismo tiempo autónoma en el mundo de la gráfica”, refirió.

    El artista señaló que le interesa trabajar con universos virtuales, a través de distintos software, para dinamizar las posibilidades de creación y al mismo tiempo aligerar el peso que se le da al “original múltiple”.

    “El hecho de tener una matriz no quiere decir que las piezas que se producen no son originales, al contrario una base digital tiene mil posibilidades y variables de salida para que cada pieza elaborada sea única”, señaló.

    Luis Ricaurte destacó la labor que desempeña el impresor, responsable de hacerlas placas matrices —en este caso desde el láser hasta las tradicio­nales  y del tiraje de la obra gráfica. Desde hace cuatro años trabaja con el maestro Horacio Sierra, quien anteriormente había colaborado con artistas de renombre como Vicente Rojo, Jan Hendríx y Leonora Carring­ton, entre otros.

    Estética de lo urbano

    Ricaurte resaltó que plantea y fija su postura ante las ideas contemporáneas mediante un discurso articulado a partir de imágenes que reflejan sus puntos de vista sobre una constante latinoamericana: la pobreza, el aban­dono, la explotación en el subempleo, el nulo reconocimiento de las vivencias de los viejos, etc.

    “Indago en el anecdotario de la gente y los objetos, tomo su figura y su forma para trabajaren un lenguaje donde mezclo la superposición y transposición del ruido, una esté­tica característica de lo urbano. Me gusta lo absurdo, lo agresivo para hacer una reflexión sobre si las cosas que estamos haciendo las estamos haciendo bien”, subrayó.

    Otra característica que sobresale en su obra es que juega con el con­cepto del espacio expositivo.” A ras de piso fue concebida para intervenir el piso, el shock de pisar una pieza de arte es muy interesante. Me gusta cuestionar las formas ortodoxas y las grandes catedrales dedicadas para exponer arte, la idea es buscar una posibilidad más dentro del mismo espacio”, finalizó.

    Luis Ricaurte ha participado en más de 70 exposiciones en los continentes americano y europeo. El próximo 5 de junio inaugura­rá una exposición individual en el Museo Casa Ricardo Rojas en Buenos Aires, Argentina, donde se presentarán los trabajos de la serie Profil-Axis.

  • Vertiente Gráfica

    Sandra Sandoval.

    Apasionado por el caos urbano y por los personajes que se debaten en este ir y venir citadino, el artista de origen colombiano Luis Ricaurte, creador de la técnica de lasergrafía, presenta “Abrasiones”, integrada por 30 piezas

    Alrededor de 30 piezas en su ma­yoría perteneciente a la Serie Profil-Axis, entre éstas una es­tampa de gran formato (seis por 2.40 metros) realizada con la técnica de la lasergrafía se ex­hiben en la muestra “Abrasiones”; además de ocho obras ela­boradas de manera exclusiva pa­ra esta exhibición que funcionan a manera de un mapa didáctico que guía al espectador a través de la obra que Ricaurte ha rea­lizado desde el 2002, entre otras.

    “El término profilaxis indica esa necesidad de limpieza que te­nemos, de hacerse limpieza a partir de la vivencia y de las co­sas que nos contaminan, cómo vamos deshaciéndonos de esas cuestiones contaminantes que son, entre comillas, algo que deteriora al ser humano.”

    Ricaurte explica que abordó un tema que tiene que ver con Javier Ortiz, modelo de Pro­fil-Axis, un personaje chiapaneco que llegó al D.F. en busca de un sueño: ser cantante de ópera, quien en la actualidad se dedica a esculpir su cuerpo y es ins­tructor en un gimnasio.

    “Volver a hablar del amor es necesario, en este caso de ma­nera particular es una vincula­ción con un personaje que hace parte de mi entorno, de mi vida, que llega a mi vida, lo conozco y me dice su sentir, me involucro y el otro trabajo es el que llega a partir de esa persona y cómo lo atraigo y lo convenzo para que trabaje conmigo, ya en las po­sibilidades de lo artístico”.

    La lasergrafía consiste en fragmentar la luz en diferentes colores para posibilitar que, a partir de la imagen creada en una paleta digital bruña o haga un hueco sobre ciertos materiales. “He aplicado todas las posibili­dades de este aparato (reuter láser) que permite el proceso an­terior en diferentes superficies (madera, papel, acrílico, etc.), con el concepto de matriz, de ha­cer sellos que puedan trasladar la imagen a otra superficie”, agrega.

  • Crónica de un Sueño en el Taller de Experimentación Gráfica

    Juan Carlos Aguilar García

    Muestran el lado emotivo del arte.

    Obras de reconocidos artistas como Jan Hendrix, Felipe Ehrenberg, Alberto Castro Leñero y Luis Ricaurte, por só­lo mencionar algunos, se pueden apreciar desde ayer en el mismo espacio dentro de la exposición Crónica de un sueño, montada en el Taller de Experimentación Gráfica (Dr. Vélez 20, Col. Doctores).

    Pertenecientes al acervo del Taller de Gráfica La Corteza, del Antiguo Colegio Jesuita de Pátzcuaro,Michoacán, las 45 obras que se exhiben han sido trabajadas en gráfica y neográfica, que incluye técnicas como grabado, agua fuerte y óleo, así como en lasergrafía, fotografía y collage. A decir de Erandi Ávalos, curador de la muestra,”en cada obra expuesta subyace un motor emotivo, expresando un variado potencial de significaciones.”Tal vez una o varias de las piezas los acerquen al aroma de alguna cró­nica propia; vivida, soñada, anhelada, imaginada. El ser cotidiano transita por estos estados, se compone y nutre de ellos’: Crónica de un sueño puede ser visitada hasta 3 de mayo de 10 a 18 hrs.

  • Hoy Inauguran Muestra de Creadores Colombianos

    Záyin Dáleth Villavicencio Sánchez

    Exhibirán 29 obras en el Ex-Colegio Jesuita de Pátzcuaro hasta el 8 de abril

    El Ex Colegio Jesuita de Pátzcuaro servirá como sede de la manifestación estética de la gráfica colombia­na al recibir la exposición Naciona­lidad restringida, que es una recopilación de 30 artistas, donde figura el trabajo de maestros y nuevos talentos de este género pictórico.

    Esta exhibición, que se compone de 29 obras, es según la cu­radora de esta obra, María Calle-guerrero, «una manifestación es­tética frente a una posición políti­ca». Pues sostienen entre ellas un diálogo mediante la creación de sintaxis estéticas que se conforman en un espacio donde no se necesita pasaporte porque en él no existen fronteras.

    Además de Nacionalidad restringida, que se exhibirá a partir de hoy en punto de las 19:00 horas y hasta el 8 de abril en el Ex Colegio Jesuita de Pátz­cuaro, en la inauguración se pre­sentará el performance La buro­cracia de la arepa, realizado por Viviana Díaz y también se pro­yectará una videoinstalación gráfica de Carlos Smith.

    Esta exposición se realiza gracias a un convenio establecido por el Taller de Experimentación Grá­fica (TEG) y el Espacio para el Estudió y Gestión de las Artes Espega, donde se gestionó el inter­cambio de espacios para la exhi­bición de trabajos gráficos.

    En la galería del TEG en la Ciu­dad de México, el 5 de abril se inau­gurará la exposición Crónica de un sueño curada por Erandi Avalos.

    Crónica de un sueño se com­pone del acervo gráfico del Ex Colegio Jesuita con trabajos de creadores emergentes y consagrados, señaló Erandi Avalos, curadora de esta obra, además afirmó que esta muestra «no es una exposición de artistas mi­choacanos, es una curaduría propuesta desde Michoacán que abarca artistas nacionales e internacionales».

    El performance

    La burocracia de la arepa se trata de una representación de la situación de los migrantes y de lo difícil que es para éstos salir de su país, mediante un performance a través de la comida y que en este caso se trata de la arepa, comida típica colombiana equivalente a la tortilla.

    En la presentación de estas exposiciones también asistió Azu­cena Solórzano, titular del Depar­tamento de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura, quien con­sideró necesaria la realización de estos eventos fuera del estado y es importante; dijo, incluir dentro de la descentralización a los habi­tantes de Pátzcuaro.

  • Lookumi en Argentina

    Lookumi es la nueva obra de Luis Ricaurte, donde desarrolla un trabajo con los pueblos afro-descendientes de Colombia.

    Lookumi es un apellido muy común en el pacífico colombiano, que se ha mantenido de generación a generación, desde los primeros africanos que llegaron a América como esclavos.

    La mirada soterrada del blanco que no es capaz de aceptar su fascinación por los exuberantes cuerpos de la raza negra, y que al tiempo denomina kitch a la estética del negro, por sus maneras de vestir, de decorar sus casas, los coloridos y estampados modelos que se perciben escandalosos entre el panorama gris del glamour europeo, ednocentrista…

    Es sobre todo esto que Ricaurte se pregunta y nos muestra cuerpos desnudos, primogenios, en movimiento, gracias al juego de los lenticulares, la proyección y grabado cubrieron 17 mts. del corredor peatonal subterráneo, emplazado debajo de la Av. Del Libertador, en pleno centro de Buenos Aires y llamado el cruce de las artes, durante todo el mes de marzo del corriente año.

    Recorrido hacia el interior de la seducción.
    Los Africanos que fueron arrancados de su territorio y esclavizados, llegaron al continente americano con toda su cultura y visión del mundo,y en respuesta a siglos de racismo han entrado en el proceso del mestizaje desde la seducción.

    La cultura mestiza de América, se ha tejido con los sonidos de África remota, el colorido del territorio perdido, su visión literaria, la manera en las relaciones familiares que se extienden más que la familia nuclear, la inserción de sus representaciones y míticas, entre otras.

    Todos estos elementos hacen parte de las diferentes herencias que tenemos también de los pueblos indígenas y europeos.

    Pero aquí lo que se remarca es la manera como desde la seducción la herencia de los pueblos africanos, se han sumergido en el tejido de la cultura mestiza.

    Un homenaje y una manera de recordarnos, nuestras raíces, de apelar nuestra memoria ancestral y hacernos espejos, en la humanidad de nuestra existencia.

    Esta obra se trata de una penetración en lo primigenio y una crítica al racismo persistente con la que seguimos viéndonos los terrícolas.

    Una penetración que es un camino, que es un recorrido, a través de las imágenes desarrolladas con tecnología para culminar en grabado, técnica antigua, expuesta a los pies del caminante que será seducido, por cuerpos Lookumi, exuberantes y bellos.

    La intervención del espacio consiste en un grabado sobre lienzo de 40 cm. x 1600 cros., expuesta en el piso y tres proyecciones en los muros del pasaje, así como una caja donde se pueden apreciar imágenes vistas a través de lenticulares.

  • Videos con Buenos Aires

    Una muestra de cortos realizados en la capital argentina se exhibirá en el espacio Diámetro, ubicado en la estación Pino Suárez del Sistema de Transporte Colectivo

    Con la masificación de la cámara de video su utilización pasó de una práctica especializada a una cotidiana, con lo que artistas, estudiantes, doctores, arquitectos, encontraron en ella una herramienta lo mismo para crear que para denunciar abusos. La producción sudamericana de video, en especial la argentina, a partir de los 90 comienza a crecer y pronto encuentra espacios por todo Buenos Aires. Al menos así lo refiere el curador Horacio Torres, quien se encuentra de visita en la ciudad de México para presentar una selección de videos manufacturados en la capital bonarense, los cuales podrá conocer el transeúnte común que, por estos días, camine por los andadores del transborde de la línea 1 y 2 del metro.

    El Taller de Experimentación Gráfica a través de Diámetro, ubicado en la estación Pino Suárez, comandado por el grabador digital Luis Ricaurte y el curador urbano Jaime Tamayo, quienes dieron vida hace un año a esta videosala ubicada en los andadores del sistema de transporte colectivo, inauguran la muestra Aglutinar-Contaminar-Fusionar. el A partir de este 1.5 de septiembre y hasta A el 28 de Octubre, de nueve a 20 horas, se ‘ ir podrán conocer cerca de 20 videos, seleccionados por el también director del museo-casa Carlos Gardel, del Ministerio de de Cultura de la ciudad bonarense.

    “Las obras sintonizan con diversas expresiones. Sus prácticas y técnicas y lenguajes son consecuencia lógica de la contaminación entre las disciplinas”, apunta Torres acerca del nombre que anima esta muestra. “Son búsquedas de un delicado equilibrio entre el conocimiento de las raíces y una necesidad casi imperiosa de alejarse de los caminos ya transitados. Por eso esta serie camina entre la investigación y el riesgo, el respeto y la irreverencia y la aniquilación y la pausada reconstrucción.”

    El curador argentino señala que la selección es un recorte un tanto arbitral de la producción actual de su país, el cual plantea encontrar poéticas artísticas sin que por ello sus creadores tengan que ser videoastas. “La exhibición es un ejercicio. Un estudio de las posibilidades creativas. Atravesada por una actitud hipervital inolcultable”, détalla.

    Los participantes van de artistas plásticos a gente común, de entre 20 a 40 años, quienes utilizan a la tecnología como instrumento para producir ciertos productos estéticos entendiendo la limitación de la herramienta utilizada, ya que no son videograbadoras ‘de línea.

    Los videos provienen de los distintos centros culturales independientes y estatales de la capital argentina, dentro del concepto del taller como producción artística.

    “El concepto camina en la idea de grabar no registrar, así como practicar la interdisciplina para mostrar una pequeña instantánea de la producción actual”, comenta Torres.

    Durante los tres semanas se podrán observar diferentes temáticas, entre ellas el trabajo de biólogos y paleontólogos, quienes se acompañan con música electrónica. Y por otra parte, el tratamiento de la imagen del cómic como negativo.

    Sobre si existen lenguajes visuales afines entre los creadores de ambas naciones, el curador apunta que si se da podría suceder en el terreno de una realidad compartida, ya que ambos países la tecnología descontinuada es la que abunda.

    “El video en Argentina tiene una historia muy corta, es a partir de los 90 cuando comienza. Las primeras cámaras fueron de exportación, con el tiempo se democratizó provocando así el florecer de la producción, así como la apertura de más espacios galerísticos para su exhibición, y con ello los centros culturales, el espacio público y colectivos que difunden arte, comenzaron a interesarse”, acota.

    Aunque subraya que la limitante tecnológica en América Latina no es un di-que para que la producción se detenga, sino un reto.

    “El impedimento de medios de Latino-américa es un desafío muy importante que produce grandes obras, pero como uno nunca observa a su continente no se da cuenta de la existencia de grandes artistas”, concluye.

    Diámetro es parte del proyecto del Taller de Experimentación Gráfica, bajo la premisa de que el video es una forma gráfica en soportes dinámicos. En el 2006 llegan a un acuerdo con las autoridades culturales del Metro para poder ocupar uña de las vitrinas y desde esa fecha se dedican a programar todo tipo de videos de manufactura latinoamericana.