artes visuales

  • Luis Ricaurte y su patología por tirar la piedra y esconder la mano

    Luis Ricaurte, reconocido artista visual mostrará un viaje a conciencia el próximo marzo de 2017 en el museo de la Ciudad de Buenos Aires en Argentina, con su exposición Burundanga.

    “Estas plantas alucinógenas (Burundanga) que vienen de nuestros ancestros, las utilizamos para deleitarnos de otras conciencias”

    En entrevista con el aclamado artista, nos contó cuales son sus planes a futuro, además de hablarnos sobre algunas de sus patologías más arraigadas, sus nuevas técnicas y por supuesto de sus últimos trabajos .

    “Pilambe, fue mi última exposición viene muy acordé con lo que pasó en la elección de Trump, donde ganó el racismo, la violencia, el discurso de separación que alienta a la diferencia. Pilambe quiere decir en lengua Yurua -Tirar la piedra y esconder la mano- hablaba sobre el ejercicio del racismo pero con una mirada de mojigata, ya que los otros contextos raciales nos parecen exóticos, nos alientan son eróticos son sensuales pero no los podemos hablar abiertamente por que es malo o perverso”

    Justo a eso iba Luis, ¿por qué plasmar en tus obras a mujeres afrodescendientes?

    Desafortunadamente no tengo ese color de piel obscura, fui criado en un ambiente donde culturalmente la fusión con lo afro era necesario en el sentido de que para poderse deleitar de la gastronomía, del baile, de todo ese carácter sexual de mi sociedad habíamos adoptado las costumbres afro, adaptadas con el mestizaje; entonces esto es un homenaje a mis raíces, lo traigo arraigado y cuando vengo a México me doy cuenta de esto, sin duda, es un homenaje a mis patologías.

    ¿Qué te llevó a implementar el uso del as nuevas tecnologías en tu técnica?

    Es una curiosidad nata del hombre, lo que nos hace no tomar en cuenta las nuevas tecnologías es una cuestión de tercermundismo o simplemente que las élites nos dicen que las nuevas tecnologías son incansables para nosotros, sin embargo es cuestión de quererlo hacer. El uso de ésta es una herramienta nueva, así como se busca un pincel nuevo.

    ¿Qué es la lasergrafía?

    La aplicación de la luz focalizada sobre una superficie, para hacer talla en las maderas, acrílicos, en muchos materiales, como lo dicen los pensadores mi forma de hacerlo es para hacer sellos matrices para la grafica

    ¿Por qué Luis Ricaurte rompe con lo tradicional de la gráfica?

    Es una cuestión artística, cuando tomé la decisión de ser artista fue duro ya que al artista se le tacha de borracho, pobre o drogadicto, sin embargo dentro del mismo arte la función del artista es ser iconoclasta, romper con los cánones y crear nuevos.

    ¿Cómo ha reaccionado tu público a tu técnica?

    En el ambiente técnico lo veo como un Boom, de la visión que quiero que tengan de las piezas en su contexto sobre lo que trato de decir, no es el fin la técnica, es lo quiero plasmar.

    ¿Consideras que tu obra plasma el contexto actual del mundo?

    No creo que lo hago, sé que la violencia existe, hemos sido malos por naturaleza, pero creo y estoy convencido es que me gusta llevar estos temas a otro nivel, por ejemplo el erotismo que es un tema que ocultamos, que vuelvan a renacer como algo bello, de lo onírico de lo sexual, no volver a victimizar a un ser por ser negro, al contrario mostrarlo porque son bellos, sensuales, pero la cultura hace que haya un rechazo hacia ello.

    ¿Qué te inspira?

    Mi verdadera inspiración es haber entendido que mi enfermedad es lo que hace que genere mi obra, ya en un discurso más filosófico, cuando hablaba de patología es que el discurso patológico como tal era el patos, explicar algo que te gustaba mucho pero que no sabías porqué te gustaba tanto, entonces había que racionalizar eso mismo, y eso lo hacían desde la Grecia antigua, la sociedad contemporánea lo vuelve enfermizo.

    Finalmente, cuestionando cuál es su propio concepto de arte, respondió que es un alimento del intelecto y del alma, pero creo que durante los siglos ha cambiado su definición desde valores utilitarios, manipulaciones políticas y religiosas, entonces el arte siempre ha estado inmerso en cierto discurso social.

     

     

     

    Redacción Omar Figueroa

  • Crónica de un Sueño en el Taller de Experimentación Gráfica

    Juan Carlos Aguilar García

    Muestran el lado emotivo del arte.

    Obras de reconocidos artistas como Jan Hendrix, Felipe Ehrenberg, Alberto Castro Leñero y Luis Ricaurte, por só­lo mencionar algunos, se pueden apreciar desde ayer en el mismo espacio dentro de la exposición Crónica de un sueño, montada en el Taller de Experimentación Gráfica (Dr. Vélez 20, Col. Doctores).

    Pertenecientes al acervo del Taller de Gráfica La Corteza, del Antiguo Colegio Jesuita de Pátzcuaro,Michoacán, las 45 obras que se exhiben han sido trabajadas en gráfica y neográfica, que incluye técnicas como grabado, agua fuerte y óleo, así como en lasergrafía, fotografía y collage. A decir de Erandi Ávalos, curador de la muestra,”en cada obra expuesta subyace un motor emotivo, expresando un variado potencial de significaciones.”Tal vez una o varias de las piezas los acerquen al aroma de alguna cró­nica propia; vivida, soñada, anhelada, imaginada. El ser cotidiano transita por estos estados, se compone y nutre de ellos’: Crónica de un sueño puede ser visitada hasta 3 de mayo de 10 a 18 hrs.

  • Hoy Inauguran Muestra de Creadores Colombianos

    Záyin Dáleth Villavicencio Sánchez

    Exhibirán 29 obras en el Ex-Colegio Jesuita de Pátzcuaro hasta el 8 de abril

    El Ex Colegio Jesuita de Pátzcuaro servirá como sede de la manifestación estética de la gráfica colombia­na al recibir la exposición Naciona­lidad restringida, que es una recopilación de 30 artistas, donde figura el trabajo de maestros y nuevos talentos de este género pictórico.

    Esta exhibición, que se compone de 29 obras, es según la cu­radora de esta obra, María Calle-guerrero, «una manifestación es­tética frente a una posición políti­ca». Pues sostienen entre ellas un diálogo mediante la creación de sintaxis estéticas que se conforman en un espacio donde no se necesita pasaporte porque en él no existen fronteras.

    Además de Nacionalidad restringida, que se exhibirá a partir de hoy en punto de las 19:00 horas y hasta el 8 de abril en el Ex Colegio Jesuita de Pátz­cuaro, en la inauguración se pre­sentará el performance La buro­cracia de la arepa, realizado por Viviana Díaz y también se pro­yectará una videoinstalación gráfica de Carlos Smith.

    Esta exposición se realiza gracias a un convenio establecido por el Taller de Experimentación Grá­fica (TEG) y el Espacio para el Estudió y Gestión de las Artes Espega, donde se gestionó el inter­cambio de espacios para la exhi­bición de trabajos gráficos.

    En la galería del TEG en la Ciu­dad de México, el 5 de abril se inau­gurará la exposición Crónica de un sueño curada por Erandi Avalos.

    Crónica de un sueño se com­pone del acervo gráfico del Ex Colegio Jesuita con trabajos de creadores emergentes y consagrados, señaló Erandi Avalos, curadora de esta obra, además afirmó que esta muestra «no es una exposición de artistas mi­choacanos, es una curaduría propuesta desde Michoacán que abarca artistas nacionales e internacionales».

    El performance

    La burocracia de la arepa se trata de una representación de la situación de los migrantes y de lo difícil que es para éstos salir de su país, mediante un performance a través de la comida y que en este caso se trata de la arepa, comida típica colombiana equivalente a la tortilla.

    En la presentación de estas exposiciones también asistió Azu­cena Solórzano, titular del Depar­tamento de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura, quien con­sideró necesaria la realización de estos eventos fuera del estado y es importante; dijo, incluir dentro de la descentralización a los habi­tantes de Pátzcuaro.

  • Lookumi en Argentina

    Lookumi es la nueva obra de Luis Ricaurte, donde desarrolla un trabajo con los pueblos afro-descendientes de Colombia.

    Lookumi es un apellido muy común en el pacífico colombiano, que se ha mantenido de generación a generación, desde los primeros africanos que llegaron a América como esclavos.

    La mirada soterrada del blanco que no es capaz de aceptar su fascinación por los exuberantes cuerpos de la raza negra, y que al tiempo denomina kitch a la estética del negro, por sus maneras de vestir, de decorar sus casas, los coloridos y estampados modelos que se perciben escandalosos entre el panorama gris del glamour europeo, ednocentrista…

    Es sobre todo esto que Ricaurte se pregunta y nos muestra cuerpos desnudos, primogenios, en movimiento, gracias al juego de los lenticulares, la proyección y grabado cubrieron 17 mts. del corredor peatonal subterráneo, emplazado debajo de la Av. Del Libertador, en pleno centro de Buenos Aires y llamado el cruce de las artes, durante todo el mes de marzo del corriente año.

    Recorrido hacia el interior de la seducción.
    Los Africanos que fueron arrancados de su territorio y esclavizados, llegaron al continente americano con toda su cultura y visión del mundo,y en respuesta a siglos de racismo han entrado en el proceso del mestizaje desde la seducción.

    La cultura mestiza de América, se ha tejido con los sonidos de África remota, el colorido del territorio perdido, su visión literaria, la manera en las relaciones familiares que se extienden más que la familia nuclear, la inserción de sus representaciones y míticas, entre otras.

    Todos estos elementos hacen parte de las diferentes herencias que tenemos también de los pueblos indígenas y europeos.

    Pero aquí lo que se remarca es la manera como desde la seducción la herencia de los pueblos africanos, se han sumergido en el tejido de la cultura mestiza.

    Un homenaje y una manera de recordarnos, nuestras raíces, de apelar nuestra memoria ancestral y hacernos espejos, en la humanidad de nuestra existencia.

    Esta obra se trata de una penetración en lo primigenio y una crítica al racismo persistente con la que seguimos viéndonos los terrícolas.

    Una penetración que es un camino, que es un recorrido, a través de las imágenes desarrolladas con tecnología para culminar en grabado, técnica antigua, expuesta a los pies del caminante que será seducido, por cuerpos Lookumi, exuberantes y bellos.

    La intervención del espacio consiste en un grabado sobre lienzo de 40 cm. x 1600 cros., expuesta en el piso y tres proyecciones en los muros del pasaje, así como una caja donde se pueden apreciar imágenes vistas a través de lenticulares.

  • Videos con Buenos Aires

    Una muestra de cortos realizados en la capital argentina se exhibirá en el espacio Diámetro, ubicado en la estación Pino Suárez del Sistema de Transporte Colectivo

    Con la masificación de la cámara de video su utilización pasó de una práctica especializada a una cotidiana, con lo que artistas, estudiantes, doctores, arquitectos, encontraron en ella una herramienta lo mismo para crear que para denunciar abusos. La producción sudamericana de video, en especial la argentina, a partir de los 90 comienza a crecer y pronto encuentra espacios por todo Buenos Aires. Al menos así lo refiere el curador Horacio Torres, quien se encuentra de visita en la ciudad de México para presentar una selección de videos manufacturados en la capital bonarense, los cuales podrá conocer el transeúnte común que, por estos días, camine por los andadores del transborde de la línea 1 y 2 del metro.

    El Taller de Experimentación Gráfica a través de Diámetro, ubicado en la estación Pino Suárez, comandado por el grabador digital Luis Ricaurte y el curador urbano Jaime Tamayo, quienes dieron vida hace un año a esta videosala ubicada en los andadores del sistema de transporte colectivo, inauguran la muestra Aglutinar-Contaminar-Fusionar. el A partir de este 1.5 de septiembre y hasta A el 28 de Octubre, de nueve a 20 horas, se ‘ ir podrán conocer cerca de 20 videos, seleccionados por el también director del museo-casa Carlos Gardel, del Ministerio de de Cultura de la ciudad bonarense.

    “Las obras sintonizan con diversas expresiones. Sus prácticas y técnicas y lenguajes son consecuencia lógica de la contaminación entre las disciplinas”, apunta Torres acerca del nombre que anima esta muestra. “Son búsquedas de un delicado equilibrio entre el conocimiento de las raíces y una necesidad casi imperiosa de alejarse de los caminos ya transitados. Por eso esta serie camina entre la investigación y el riesgo, el respeto y la irreverencia y la aniquilación y la pausada reconstrucción.”

    El curador argentino señala que la selección es un recorte un tanto arbitral de la producción actual de su país, el cual plantea encontrar poéticas artísticas sin que por ello sus creadores tengan que ser videoastas. “La exhibición es un ejercicio. Un estudio de las posibilidades creativas. Atravesada por una actitud hipervital inolcultable”, détalla.

    Los participantes van de artistas plásticos a gente común, de entre 20 a 40 años, quienes utilizan a la tecnología como instrumento para producir ciertos productos estéticos entendiendo la limitación de la herramienta utilizada, ya que no son videograbadoras ‘de línea.

    Los videos provienen de los distintos centros culturales independientes y estatales de la capital argentina, dentro del concepto del taller como producción artística.

    “El concepto camina en la idea de grabar no registrar, así como practicar la interdisciplina para mostrar una pequeña instantánea de la producción actual”, comenta Torres.

    Durante los tres semanas se podrán observar diferentes temáticas, entre ellas el trabajo de biólogos y paleontólogos, quienes se acompañan con música electrónica. Y por otra parte, el tratamiento de la imagen del cómic como negativo.

    Sobre si existen lenguajes visuales afines entre los creadores de ambas naciones, el curador apunta que si se da podría suceder en el terreno de una realidad compartida, ya que ambos países la tecnología descontinuada es la que abunda.

    “El video en Argentina tiene una historia muy corta, es a partir de los 90 cuando comienza. Las primeras cámaras fueron de exportación, con el tiempo se democratizó provocando así el florecer de la producción, así como la apertura de más espacios galerísticos para su exhibición, y con ello los centros culturales, el espacio público y colectivos que difunden arte, comenzaron a interesarse”, acota.

    Aunque subraya que la limitante tecnológica en América Latina no es un di-que para que la producción se detenga, sino un reto.

    “El impedimento de medios de Latino-américa es un desafío muy importante que produce grandes obras, pero como uno nunca observa a su continente no se da cuenta de la existencia de grandes artistas”, concluye.

    Diámetro es parte del proyecto del Taller de Experimentación Gráfica, bajo la premisa de que el video es una forma gráfica en soportes dinámicos. En el 2006 llegan a un acuerdo con las autoridades culturales del Metro para poder ocupar uña de las vitrinas y desde esa fecha se dedican a programar todo tipo de videos de manufactura latinoamericana.

  • Galerías en el Circuito de Arte

    Este sitio, uno de los pocos sin giros dobles, abrió sus puertas en diciembre de 2005 tras haber gestionado con el gobierno de la Delegación Cuauhtémoc la entrega en comodato de un trolebús japonés abandonado en la Colonia Roma. Las curadoras convencieron a las autoridades —que en nuestro país sólo entienden de arte en términos pedagógicos y turísticos— de dedicar el espacio exclusivamente a la exhibición de obras para sitio específico. En las calles del D.F., marcadas por su violencia, una iniciativa de tal tipo constituye inexorablemente un gesto político. La ciudad de hoy, como argumenta Eugenio Trías, se parece al espacio vacío de los antiguos atomistas, donde los átomos —idénticos, incomunicables— sólo se rozan o chocan. Queda impedida así la producción de historias, mismas que se diluyen en una sucesión de flashes, cambios de posición, simple combinatoria. La misión de Trolebús —increpar y provocar al transeúnte para cuestionarlo sobre su relación con la urbe, despertar su interés hacia los soportes del arte actual y cambiar la percepción del lugar que habita o recorre cotidianamente— subvierte el dominio de la indiferencia, esa manera de mirar que jamás se posa sobre algo y como en una suerte de carrera a campo traviesa, se avoca a detectar obstáculos.

    Emplazado originalmente en las inmediaciones de la Plaza Luis Cabrera, donde el tráfico de jóvenes estudiantes nutría el afluente de visitas, el Trolebús ocupa hoy día una esquina frente al hotel CONDESAdf, patrocinador del proyecto desde hace un año. A la fecha se han realizado catorce exposiciones con piezas de diferentes artistas como Mauricio Limón, Fabián Ugalde, Emilio Said y Arcángel Constantini. Quizá aquí es pertinente adelantar el primer reparo y es que uno esperaría de curadoras jóvenes una mayor voluntad de riesgo, ausente en la medida en que la mayoría de los artistas con los que han trabajado cuenta con una carrera reconocida. Aunque también es cierto que, dado los tintes tribales de la escena artística mexicana, antes de intentar ganar legitimidad con las apuestas (y los proyectos que se avecinan van en esa dirección) se requiere cierto respaldo. De las distintas líneas de fuga trazadas a lo largo de estos meses por Trolebús, recupero aquélla que reivindica una poética del despojo y el escombro, como si el mueble fuera una especie de scrapbook, objeto sintomático de la era actual que describe el paso febril de nuestras horas, la vida hecha de pedacería, el deshuesadero miniatura de una existencia incongruente, yuxtapuesta, fracturada. En esta clave podría leerse el trabajo del ya mencionado Chapela, o Moris (Nido de Malvivientes) que recupera estéticamente los territorios y las iconografías de la marginación, los simulacros de objetos de Mónica Espinosa (Doblez…) y, con un poco de liberalidad, las incitaciones al voyeurismo imaginario de Pavka Segura (Noctámbulo).

    La cultura del siglo xx se sostuvo sobre una memoria testamentaria, un inventario de riquezas y patrimonios que como pérdidas irremediables constituyen las ruinas del tiempo. Pero hoy ya no hay ruinas posibles: el ocaso de la modernidad arrastró consigo los mitos de origen y las ideologías del futuro. Nos encontramos inmersos en el tiempo puro, el tiempo sin historia. La vocación de las ruinas, entonces, es ofrecerle a quien las recorre la noción de un pasado traducible: el sentimiento de supervivencia ha desaparecido. El arte, como señaló Marc Auge, está condenado a delinear los escombros del futuro, pero porque en la pureza, lo genérico, ya no cabe el pasado.

    Por otra parte, es posible que en el futuro no quepan ni siquiera los escombros del arte. Y quizá sea ésa secreta intuición de Ariadna Ramonetti y Fernanda Sales la que las llevo a apropiarse de un emblema del transporte masivo que, resignificado, nos hace una especie de guiño para recordarnos que el arte, también él, es pasajero.

    TROLEBUS / Galería Guadalajara sin, esq veracruz, condesa frente al hotel CONDESAdf Martes a domingo de 11 – 1 y 2 -7 PM Dirección gral: Ariadna Ramonetti Fernanda Sales

  • Diámetro VideoArte en el metro

    Diámetro es uno de los proyectos curatoriales desarrollados por el TEG, taller de experimentación Gráfica, dirigido por el artista Luis Ricaurte.

    Esta galería de video se inaugura el 27 de octubre de 2005. Empezó en la estación Salto del Agua, y pasó luego a Pino Suárez. Ha proyectado 1600 horas de loops de video experimental de 80 creadores a através de 4 curadurías invitadas de Colombia, México y Argentina.

    Diámetro es un espacio de tránsito, una pantalla-ventana donde se ven paraísos artificiales, otros mundos, psiques, ensayos, experimentaciones, realizadas con formatos audiovisuales; utilizando las herramientas del video, el cine, lo análogo y lo digital como una paleta en la que la sustancia que compone al video, se vuelve plástica, maleable. Cada capa que compone la imagen como cada software de diseño de imagen se vuelve un elemento de composición dentro de esa realidad plástica.

    Hacer colores como olas de video que se desvanecen unas con otras y construir imágenes pictóricas en movimiento empieza a romper la estructura lineal de la imagen en movimiento, visto como un soporte que contiene la profundidad en su narrativa lineal. El video ya no es el “papel” que soporta la imagen al quedar impresa, es la imagen con su propia profundidad y maleabilidad, se vuelve la materia prima de sí mismo. Así como hay óleo, grafito, tinta, aceites, papel , tela, hay píxeles, líneas, grano; aquí ya solo importa la poética que tienen los materiales en este caso la poética de un pixel dialogando con un mixer análogo, como un diálogo entre poéticas cibernéticas.

    Entender el video tanto como gráfica en formato dinámico, en donde se crean imágenes gráficas en movimiento, como un formato pictórico; es descubrir su naturaleza transdiciplinar en obras que se construyen en la combinación de lenguajes y que, aunque no se tocan directamente los soportes, rozan entre lo plástico y lo visual.

    Estos conceptos sobre la apreciación del video experimental, así como la búsqueda de lugares no convencionales de exhibición del arte (que responde a una posición frente a la jerarquización del arte que aunque en la teoría ya parece superado, el “gran arte”, en su exhibición y comercialización sigue siendo una realidad) son parte de la materialización de los conceptos desarrollados en el TEG, lugar de creación y reflexión de arte.

    Entonces tomar por asalto a transeúntes del metro, irrumpiendo en su cotidianidad, con videos experimentales se vuelve un acto de desmitificación de el lugar donde debe ser contemplado, así como la obra en si pierde su calidad elitista, el video como una obra que va en movimiento, como quienes la ven en ese no lugar del metro, transitorio, impermanente aunque cotidiano.

     

     

  • Triunvirato en Galería

    Samuel Mesinas. DIARIO MONITOR.

    Bajo el lema de que el arte es una inversión, conviven en Axis Mundi un grabador, un curador y un administrador, que buscan formar coleccionistas.

    Las necesidades que tienen los artistas de vender y difundir su obra, así como la vocación de la administración por hacer de la venta del arte una empresa bien planeada que deje dividendos tanto para in­versionistas como para artistas, pueden re­sultar en una exitosa fórmula.

    Así lo creen el grabador Antonio Ochoa, José Luis Sosa, administrador y Jaime Tama­yo, historiador de arte, quienes abren Axis Mundi (ubicado en el octavo piso de un edi­ficio sobre el boulevard Manuel Ávila Cama­cho No. 37, en las Lomas de Chapultepec).

    Con 120 metros cuadrados destinados pa­ra la galería, y obra de artistas como Juan Soriano, Antonio Ochoa, Felipe Ehrenberg, Leonora Carrington, Flor Minor, Luis Ri­caurte, Gabriel Macotela, Santiago Carbo­nell, Jan Hendrix, Alberto y Miguel Cas­tro Leñero, Carmen Parra, entre otros, Axis Mundis es un proyecto peculiar que nace de la sinergia entre un artista, un curador y un administrador, unidos por una larga amistad pero sobre todo el gusto y la pasión por el arte, quienes ven posibilidades de no sólo vender, sus propósitos son educar a los posibles compradores para que sepan elegir a la hora de hacer sus cuentas.

    Más que una simple galería que exhi­be obra y busca colocarla en el mercado, Axis Mundi pretende convertirse en un pequeño centro cultural, donde se impar­tirán cursos sobre historia del arte y comenzar, lo que hasta hoy es un hecho in­édito, a formar coleccionistas.

    Antonio Ochoa recuerda cómo inició la idea, a partir de que su obra comenzó a venderse bien —el Museo de Suiza, la Uni­versidad Católica de Barcelona y el Museo Nacional de la Estampa en México, son al­gunos de sus coleccionistas—, y es cuando le asalta la idea de tener su propio espacio para poder ayudarlo, de alguna manera, a otros artistas, quitándole las trabas que se ponen a la mayoría de los creadores que aún no son tan cotizados.

    “Cuando inicias comienzas a toparte que necesitas curador, difusión, museografía, fue por lo que me pregunté por qué no ar­mar un equipo a manera de empresa, en donde yo pongo lo que sé de las inquietudes y necesidades de los artistas, Tamayo me apoya en la curaduría, José Luis en la admi­nistración, Iván Leroy en la parte de formar el coleccionismo, y hacemos un equipo de profesionales, pero que no sea un tianguis como las galerías acostumbran a conver­tirse”, recuerda Ochoa. “Es un espacio ga­lerico y a la vez cultural, que busca formar a la gente en lo iconográfico e iconológico, mediante los cursos que se impartirán pa­ra formar coleccionistas. La idea surge a partir también de una platica con Arturo Rivera, quien me decía que algunos artis­tas y galeristas no son muy educados, y es cierto, en mi caminar me he encontrado a muchos que no sabían nada de iconografía, mucho menos tienen una lectura iconológica, razón por la que creemos debemos de armar ese tipo de cursos”, señala.

    José Luis Sosa precisa que el proyecto que no es eminentemente económico aunque sí busca que sea rentable, ya que cualquier empresa no sé puede sostener en el tiempo si no piensa en su rentabilidad.

    “Abrir brecha es la meta, crear una necesidad, porque las personas deben ver que comprar arte es una inversión, tal vez no corto plazo, pero sí una inversión”, apune el administrador. “Hay quienes creen que no va a funcionar, pero creo que si seguimos reglas, como costos fijos bajos, buena obra promover artistas nuevos que se vea tiene futuro, tendremos posibilidades de seguir adelante; finalmente son las mismas reglas de todo negocio, aunque aquí no se trata vender manzanas”,-acota.

    “Tenemos a gente muy profesional que conoce las reglas y ve qué artistas tiene futuro. Ahora la situación económica del país no tiene que ver con lo que sucede en el a te, hoy está creciendo, hay ferias, exhibiciones, pero también tenemos que ayuda a desarrollarlo. Muchos negocios no se mantienen sobre mercados establecidos, sino, la creación de ellos”, señala.

    Jaime Tamayo subraya que se busca no ser un espacio, sino tiene como objetivo s un lugar de diálogo artístico. “Hoy el arte conlleva ritos más complejos, ya no es decorar sino se ve como una inversión. La intención es crear los servicios necesarios para el ejecutivo contemporáneo en materia de arte. Necesitamos estos servicios, porque no existen a nivel corporativo.”

  • Inauguran la exposición “Contempografías, gráfica contemporánea”

    El Financiero en línea

    México, 3 de junio.- En un interesante recorrido de la gráfica actual, que va desde la xilografía, grabado en hueco, grabado en láser y hasta la xilografía digital, Alfredo Matos, director de la Galería José María Velasco, inauguró hoy aquí la exposición “Contempografías, gráfica contemporánea”. El colectivo, en el participan los mexicanos Antonio Ochoa, Víctor Mora, Ethel Orozco, Ildefonso López, Fernando López y el colombiano Luis Ricaurte, en más de 40 piezas, una revisión sobre las posibilidades en la gráfica actual. Para el responsable del recinto, es una visión de carácter estético, un llamado de atención en la gráfica, pues ésta continúa realizándose, a pesar de que la dinámica del arte contemporáneo, como lo es videoarte, y la instalación ha orillado a que la pintura, el dibujo y grabado, “queden relegados”.

    “Las dimensiones de la gráfica son enormes.  Ahora gracias a las nuevas tecnologías, se tiene otra visión de la gráfica. Su futuro no está muerto, hay muchos artistas explorando lo que son impresiones digitales y algunos otros, están metidos en la cuestión del pop, que es una mirada mucho más estética”, explicó. Según Matos, el grabado tiene diversas formas, como lo es el metal, la xilografía, la litografía y el grabado en soportes blandos utilizado para la elaboración de placas, como las gráficas químicas, las aguatintas, aguafuertes o las físicas, como el buril o la punta seca. Técnicas que siguen siendo el carácter fundamental en el mundo de la grafica contemporánea. Antonio Ochoa, uno de los participantes en esta exposición, presenta en impresiones digitales en una serie de puertas internas, de las cuales se desconoce a dónde llevarán. “Mis imágenes hablan del tiempo, de culturas o civilizaciones perdidas o más aún, que nunca existieron, pero que afanosamente me empeño en observar como buscando la clave o la solución del aran enigma de la raza humana: De donde venimos?”, explicó. Ricaurte. quien ha tratado diversos temas, como el cuerpo. la especialidad y la intolerancia, por señalar algunas. siempre con una perspectiva crítica y social, presenta en un técnica llamada lasergrafía, imágenes de mujeres desnudas afro-colombianas, un políptico titulado “LookUmi”.

    “Este políptico son un poco esas esculturas afro-colombianas. Me apoyo en la sensualidad y fetiche que tienen estas comunidades en Colombia”, dijo. En seis piezas de gráfica tridimensional sobre tela, el trabajo de Víctor Mora está basado en la fragmentación de imágenes por las que construye una estética caótica figurativa-abstracta, en la cual cada fragmento actúa de forma independiente y a su vez, da idea de totalidad. A través de la fragmentación y la repetición de dichas imágenes, logra darle a éstas un nuevo valor; así estás imágenes comprimidas en formas, permiten la integración de una nueva realidad, en la cual el espectador participa de forma significativa cambiando su postura de “observador” a la de decodificador, traduciendo o uniéndolas para crear sus propias historias. Por su parte, Ethel Orozco, quien ha realizado estudios profesionales en las artes gráficas, se ha integrado a la plástica mexicana con una propuesta, en donde ha mostrado una denuncia de su interpretación de cómo es vista y tratada la mujer hoy, desde sus formas bidimensionales.

    No entiendes?, “La Esposa ideal”, “Guerrerito”, “Casadas”, “Código de Barras” y “Princesita”, son las piezas con las que participa. Ildefonso López se ve alimentado de los íconos de la cosmogonía mixteca, de los elementos que forman nuestra naturaleza: tierra, agua, viento, fuego y aire; motivos que lo llevan a experimentar el cómo grabar apoyado de estos elemento, dan por resultado una obra llena de símbolos clásicos de su cultura, reinterpretados con las nuevas formas de abrir los soportes convencionales de la grafica.

    Finalmente, Fernando López, al estudiar distintos senderos espirituales, se ha encontrado que en cada uno de ellos existen cielos, infiernos, purgatorios, al tiempo que se cuestiona: “Ha sido una deidad superior la creadora de toda esta arquitectura”? Esta es la inquietud que nana en todo su proceso creativo (siete piezas).

    Lo que plasma en sus grabados, son las regiones que conforman los planos superiores y que a su vez, dividen este bajo mundo llamado plano físico.

    “Contempografias, gráfica contemporánea”, estará abierta hasta e1$ de julio, en dicha galería. (Con información de Notimex/CFE)

  • Gráfica Contemporánea en Galería Velasco

    México, D.F. 18 de junio

    La galería José María Velasco presenta la exposición colectiva Contempografias, gráfica contemporánea, que cuenta con la participación de los grabadores Antonio Ochoa, Luis Ricaurte, Victor Mora, Ethel Orozco, Idelfonso López y Fernando López.

    Las posibilidades tecnológicas han provocado en los artistas contemporáneos nuevas e interesantes opciones para la expresión y trasmisión de sus imágenes, tanto en los soportes como en su construcción y formato. Es por eso que esta muestra ofrece un panorama inquietante de los trabajos de artistas gráficos que han integrado dichos avances para ofrecer sus inquietudes. Se presentan trabajos que van desde la xilografía hasta la imagen digital.

    Las ternas son tan variados, como sus artistas, por ejemplo el de Antonio Ochoa, que habla de las culturas y su civilización, mientras que el colombiano Luis Ricaurte trata el tema del cuerpo, la intolerancia, la vejez, la raza, dentro de una perspectiva crítica y social. Víctor Mera, a su vez, se interesa por la fragmentación de das imágenes para que el espectador logre participar también como observador y decodificador.

    La propuesta de Ethel Orozm se refiere a su interpretación de cómo es vista y tratada la mujer hora en día, e Idelfonso López indaga sobre la cosmogonía mixteca de los elementos que conforman nuestra naturaleza, dando como resultado una propuesta llena de símbolos clásicos de su cultura. Por último, la gráfica de Fernando López abarca las distintas regiones que conforman VA planos superiores divididos en pianos físicos: el cielo, el purgatorio, el infierno, etc.

    La galería presenta también a Rodrigo Ambriz, con dibujos a tinta y frotages que tienen por tema la antología poética Hasta agotar la existencia 111.

    La pieza del mes la ocupa Darlo Mlangos, con dibujos de la figura humana entrelazándola con ángeles o nuntius.

    También se muestra la intervención de la fachada por David Piñón Hernández Seher. La Galería José Maria Velasco se encuentra ubicada en la calle de Peralvillo 55, colonia Morelos, y la exhibición permanecerá abierta hasta el próximo 18 de julio.

    Video de Mohamadou N “Doya/Museo.

    A través de Panorámica, el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo presenta el video del artista senegalés Mohamadou N’Doye Train-train medina, cuyo contenido trata de la forma en que se edifican centros urbanos en países en desarrollo y su inestabilidad inherente, además de su vulnerabilidad extrema ante las fuerzas de la naturaleza, ha manifestado el propio artista. “Train-train” es una expresión en francés que se refiere de manera coloquial a la rutina a la repetición, y la palabra “medina” de África del Norte alude al centro activo de una ciudad o pueblo.

    La curaduría estuvo a cargo de Tobías Ostrander, quien afirma cómo esta pieza nana hechos comunes con efectos destructivos que se suceden en regiones costeras económicamente deprimidas de África, Asia o Latinoamérica.

    La propuesta del videoasta emplea textos sobre las imágenes, donde se ve claramente su preocupación por la falta de atención de la población hacia la naturaleza.

    Es interesante cómo el artista, con la utilización del collage animado, logra construir imágenes móviles a partir de materiales como cartón, arena, pintura, pedazos de papel de colores, cordones, lodo, fragmentos de metal, para lograr con una destreza sorprendente esta pieza, que invita al espectador a reflexionar por un tema de gran magnitud, que necesita ser concientizado.

    N’Doye ha enseñado su trabajo en países del Mediterráneo, Europa y América. Cuenta con un primer lugar del Filme de Animación Anima Bruselas (2003) y el Gran Premio de la Comunidad Francesa de Bélgica/Cannes (2003).